La terre des « beautés promises » : les peintres et les sculpteurs céramistes dans le sud de la France dans les années 1950

L’intérêt des peintres et des sculpteurs pour la céramique remonte au XIX^e siècle et se développe notamment en réaction à l’industrialisation, sous l’influence du mouvement Arts and Crafts fondé par William Morris et des idées réformatrices développées par John Ruskin. Bouleversant les frontières entre arts majeurs et arts mineurs, le phénomène se poursuit et s’enrichit tout au long du XX^e siècle, gagnant progressivement les pays européens, dont la France. Paul Gauguin s’initie à la céramique en 1886 à l’atelier d’Auteuil ouvert par les frères Haviland et dirigé par Ernest Chapelet, tandis qu’André Metthey exalte les faïences et les grès, invitant les célèbres artistes nabis et fauves dans son atelier à Asnières : Pierre Bonnard, Maurice Denis, André Derain, Kees van Dongen, Othon Friesz, Pierre Laprade, Henri Lebasque, Odilon Redon, Georges Rouault, Ker-Xavier Roussel, Louis Valtat, Maurice de Vlaminck ou encore Édouard Vuillard. Au sortir de la Première Guerre mondiale, les avant-gardes s’emparent de l’art du feu – De Stijl, suprématisme russe, Bauhaus, futurisme italien –, plaçant l’objet au cœur d’une réflexion politique et sociale. 

Le sud de la France des années 1950 voit apparaître une nouvelle constellation de peintres et de sculpteurs modernes, désireux de plonger leurs mains dans la glaise et de sublimer les éclats des émaux : Braque, Brauner, Chagall, Léger, Lurçat, Picasso, Pignon, Prinner, Ozenfant, parmi tant d’autres. Si les artistes prolongent certaines recherches entamées au début du XX^e siècle, marquées notamment par le goût du lointain¹, leurs expériences paraissent plus audacieuses et leur production plus foisonnante. Des artistes, au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, s’ingénient à révéler les tensions dialectiques qui nourrissent la création céramique de cette période : corps/matière, présent/passé, proche/lointain, intime/public.

C’est Vallauris, riche de sa tradition de poterie culinaire, qui devient le pôle d’attraction principal des artistes, bien que l’art de la céramique soit présent dans d’autres communes : Antibes, Dieulefit, Biot, La Borne… Un succès dû sans doute à la présence de la figure influente de Pablo Picasso – venu pour la première fois en 1946 dans cette ville connue alors pour ses anciens ateliers de céramique, et pour le savoir-faire de ses artisans qui s’est transmis d’une génération à l’autre depuis plusieurs siècles. Au lendemain du second conflit mondial, ces localités artisanales renouent avec leur tradition, allant jusqu’à attirer de nombreux artistes formés dans des écoles d’art ou d’arts appliqués, parmi lesquels André Baud, Roger Picault, Roger Capron, Georges et Suzanne Ramié. Ces derniers fondent l’atelier Madoura où Picasso réalisera ses premières pièces en 1947, avant de s’installer à Vallauris l’année suivante. Il s’impose très rapidement dans le paysage culturel local, inspirant et incitant de nombreux artistes à s’essayer à la céramique. Ce sont surtout les ateliers Madoura et ceux du Tapis Vert qui les accueilleront. Les fondateurs des ateliers du Tapis Vert, le couple franco-américain René et Claire Batigne, sont également à l’initiative de l’organisation des expositions dédiées à la céramique contemporaine au Nérolium, de 1949 à 1955, indissociables de cette période, baptisée l’« âge d’or² » de Vallauris. Enfin, le festival international de la céramique de 1955 à Cannes, réunissant 150 participants, apparaît aujourd’hui comme un recensement de référence et le témoignage d’un incroyable dynamisme de la création céramique de cette période.

Après la Seconde Guerre mondiale, l’attrait des peintres pour les expressions de la terre semble revêtir une dimension anthropologique. Se tourner vers la permanence de cet élément, pétrir la matière malléable, lui donner forme, leur permet de se réapproprier le geste universel reliant les civilisations successives. La céramique condense cette vitalité à l’épreuve des forces primitives. La terre devient alors la matière réparatrice et génératrice de nouvelles rêveries imagées : « […] l’imagination et la volonté, qui pourraient, dans une vue élémentaire, passer pour antithétiques, sont, au fond, étroitement solidaires. […] Ainsi le travail énergique des dures matières et des pâtes malaxées patiemment s’anime par des beautés promises³. »

Marc Chagall, de retour après des années d’exil aux États-Unis, s’installe progressivement dans le Midi. À compter de 1949-1950, l’artiste commence à réaliser ses premières céramiques, traduisant, au-delà de sa curiosité constante à l’égard de nouvelles techniques et d’une forme d’émulation collective, une sensibilité accrue à son environnement. L’appropriation de sa nouvelle terre d’accueil se réalise à travers l’enrichissement de son vocabulaire pictural, introduisant notamment dans ses céramiques des thèmes inspirés directement du paysage alentour – du mystère de la terre et de la mer unies sous le soleil (cf. La Madone à l'arbre (1951) ; Nature morte au poisson (1952)). Mais c’est surtout la matière qui semble être un véritable moyen d’enracinement – la terre, les couleurs et la lumière –, l’artiste cherchant, dans son œuvre céramique, à explorer les contrastes entre brillance et matité, terre émaillée et terre brute, lumières et ombres. À ce titre, la technique archaïque du sgraffito, connue dès l’Antiquité dans le bassin méditerranéen – consistant à graver des lignes ou des motifs sur la terre ou sur l’engobe –, est abondamment utilisée et maîtrisée par Chagall depuis ses premières gravures des années 1920 (cf. la série des Fables de La Fontaine : Le Renard et les Raisins (1950), Double visage en vert (1950) ou encore Grands personnages (1962)). Cet ancrage dans les terres fécondes du Sud ne le détournera pas pour autant de sa contrée d’origine : « Il me semble soudain que cette terre si claire interpelle de loin la terre sourde de ma ville natale, Vitebsk », dira Chagall dans un entretien avec Georges Charensol en 1950¹¹. L’artiste continuera, en effet, à convoquer l’art populaire russe et sa ville natale avec ses maisonnettes emblématiques dans des pièces céramiques comme Le Paysan au puits I (1952), ou La Maison (1952).
 

L’expérience intime de la matière-mémoire qu’est la céramique évolue vers le désir du monumental. Les artistes et les sculpteurs cherchent une forme de dépassement de ce médium, en s’efforçant de réaliser des sculptures-céramiques plus imposantes : bas-relief et ronde-bosse en grès, céramiques et sculptures murales. La « tentation du monumental » déplace la céramique de l’espace domestique vers l’espace public et urbain, répondant ainsi au besoin renouvelé de reconstruction et de transformation de cette période de l’après-guerre. Pour Fernand Léger, il est alors important de « traiter le mur, dans la ville, dans l’architecture, dans le paysage, à l’extérieur et à l’intérieur de l’habitation, pour faire vivre la couleur en grandes dimensions¹² ». L’artiste réalise ses premiers bas-reliefs à Biot, entre 1949 et 1952, en collaboration avec Roland et Claude Brice. Il exécutera des céramiques monumentales (par exemple, Les Femmes au perroquet, dans le jardin de La Colombe d’Or, à Saint-Paul), avant de recevoir des commandes pour l’architecture, tel le mur pignon en céramique et mosaïque de la centrale gazière d’Alfortville, ou encore le projet commandé par la ville de Hanovre pour le stade-vélodrome qui ornera finalement la façade principale du musée de l’artiste à Biot. Avec l’aide du céramiste Michel Rivière, Édouard Pignon entame lui aussi sa longue série de céramiques monumentales dès 1958, à l’instar de l’Homme à la fleur réalisé pour le pavillon de Paris à l’Exposition internationale de Bruxelles, avant la conception de ses autres pièces monumentales des années 1970. Pour Marc Chagall également, l’expérience de la céramique semble jouer le rôle d’un tremplin vers de multiples réalisations architecturales. En 1956, une composition monumentale, La Traversée de la mer Rouge, composée de 90 carreaux de terre blanche décorés aux oxydes et émaux, prendra place à l’église Notre-Dame-de-Toute-Grâce du Plateau d’Assy, telle une anticipation de futures mosaïques et de célèbres vitraux du peintre. Ainsi, pour de nombreux artistes modernes, après les ravages de la Seconde Guerre mondiale, l’expérience de la céramique fut l’occasion de renouer avec le fil de l’Histoire au moyen d’un geste millénaire et universel, dans le berceau des rives argileuses et ensoleillées de la Méditerranée où cette tradition artisanale a perduré.